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Aide à la rédaction d’un projet pédagogique en Éducation Artistique et Culturelle

avec intervenant (rémunéré ou non) sans intervenant

Sommaire   1 Situation 2 Calendrier 3 Objectifs généraux 4 Partenariat 5 Objectifs spécifiques 6 Compétences 7 Activités 8 Œuvres de références 9 Conditions matérielles 10 La finalisation ou la restitution  11 Evaluation

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Avertissement : loin d’être exhaustif, le contenu des cadres n’est pas à reproduire en l’état en dehors des chapitres et des textes officiels communs à tous ! Il reste à adapter en fonction de la spécificité du projet artistique de chaque école.

 

Les paragraphes 1 et 2 sont destinés à vous aider à remplir le document administratif « projet pédagogique de co-intervention ».

Les suivants vous aideront à rédiger un projet pédagogique détaillé propre à la classe, au cycle ou à l’école (à joindre au document administratif dans le cas d’une co-intervention).

 

1.  

 

• Les éléments ci-dessous permettent une prise en compte de l’importance du projet au regard du groupe scolaire.
• C’est une première étape de la construction du projet en partenariat avec l’intervenant, le cas échéant.
• Ces éléments figurent dans le cadre 1 du document « projet pédagogique de co-intervention nécessitant un intervenant extérieur rémunéré (ou non) ».

 

 

• Description rapide des classes concernées (niveaux, cycle, répartition, effectif et nom des enseignants concernés par le projet)
• Nom de l’intervenant, présentation sommaire, diplôme, contacts

 

 

le projet pédagogique détaillé, s’il est conçu avec un intervenant, constitue une forme de contrat passé avec lui sur les objectifs à atteindre et les moyens d’y parvenir.

 

 

Thème retenu en relation avec le Parcours d’Education Artistique et Culturel, le projet d’école et les projets de classe :

 

 

• En lien avec le nom du projet, on fera apparaître ici des éléments de contexte culturels et disciplinaires.
• Faire l’état des lieux : spécificité géographique de l’école, ressources humaines et matérielles, offres culturelles de secteur, projet d’école, de cycle, de classe.
• Appui sur les partenariats, les ressources, qu’elles soient pérennes ou ponctuelles.

 

          Le guide du PEAC :

http://cache.media.eduscol.education.fr/file/Domaines_artistiques/49/9/2013_EAC_guide_bdef_287499.pdf

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Du projet… au parcours d’éducation artistique et culturel

 

• projet inscrit dans la programmation du PEAC de l’école, lien avec le projet d’école et son volet artistique et culturel (6 domaines des arts).
• mise en place d’indicateurs au projet en lien avec la problématique école.
• Pourquoi ce projet ? Quels sont les besoins des élèves ?
• lien avec le projet d’école
• cohérence des différents projets (progressivité et articulation, complémentarité).
• Pourquoi ce projet ? Quels sont les besoins des élèves ?
• équilibre entre les domaines artistiques : arts plastiques, éducation musicale, théâtre, danse, autre.
• équilibre dans les domaines d’apprentissage artistique : les arts du son, les arts du spectacle vivant, les arts de l’espace, les arts du quotidien.
• appui sur la totalité des enseignements, compétences transversales.
• présence de la culture scientifique.
• savoir repérer et utiliser différents éléments en lien avec le thème du projet.
• se sensibiliser à différentes formes ou domaines des arts pour son épanouissement personnel.
• être capable de s’adapter à différentes situations de communication.
• développer l’écoute, l’attention, la concentration.

 

 

1.  

 

• Les rendez-vous précis du projet (dates et heures).
• A noter : les programmes permettent de concentrer les heures dédiées aux enseignements artistiques sur une courte période dans le cas d’un projet « phare ». Il est également possible d’accueillir un artiste en début et en fin de projet.
• Dans le cadre d’interventions régulières au long de l’année, préférez des interventions de l’intervenant par quinzaine plutôt qu’hebdomadaires afin que l’enseignant puisse approfondir le projet seul dans sa classe.

 

• Période n°…
• Dates et horaires :…
• Répartition des classes dans la journée d’intervention :…

 

 

1. Objectifs généraux

 

• Les paragraphes 3, 4 et 5 suivants permettent de définir plus précisément quels seront les objectifs et les compétences ciblés.
• Directement issus des programmes et des compétences du socle de connaissance, de compétences et de culture, ils doivent être en adéquation avec le projet et choisis pour leur pertinence et leur évaluation.
• L’écriture du projet doit répondre aux questions : comment rendre l’élève acteur du projet ? Qu’a-t-il ressenti, fait et appris ?

(extraits de différents projets proposés par des collègues directeurs)

 

 

On pourrait retrouver ainsi :

 

• Construire une culture commune : favoriser l’accès à la culture, ouvrir le regard du spectateur sur les œuvres de notre temps, saisir les démarches d’artistes.
• Se sensibiliser à différentes formes ou domaines des arts pour son épanouissement personnel.

 

• Rencontrer des œuvres sous toutes leurs formes (expositions, spectacle vivant, reproductions…)
• Comprendre la spécificité du métier d’artiste, connaître des artistes, travailler avec eux.

 

• Apprendre ensemble et vivre ensemble, apprendre le respect de la personne (soi-même et les autres) et des règles de vie collective, coopérer dans un projet artistique.

• Oser entrer en communication, être capable de s’adapter à différentes situations de communication.
• Exprimer corporellement et oralement des images, des personnages, des sentiments, des états.
• Apprendre à mettre en jeu son corps tout entier, développer ses possibilités motrices et expressives.
• Adapter des conduites motrices en vue de l’efficacité et de la précision du geste.

 

• Développer l’écoute (musicale, corporelle,…), l’attention, la concentration, la mémoire.
• Apprendre à parler, construire son langage (articulation, conscience phonologique, élocution, souffle, respiration).

 

1. Partenariat et co-intervention

 

• Un partenariat se construit à deux ou plus pour un projet commun.
• Un projet commun signifie que le projet partenarial se situe au carrefour du projet d’école, de celui de l’enseignant et de celui de l’intervenant le cas échéant.
• Cela nécessite un travail préalable à l’intervention dans la classe afin de définir qui fait quoi, où, quand, comment et pourquoi.
• Il développe une réflexion à deux sur une préparation collective autour du contenu disciplinaire, des compétences visées, du travail en groupe et de sa composition (homogène/hétérogène), des modalités de différenciation.

 

 

 

 

 

Les modalités d’intervention :

L’enseignant et l’artiste sont dans le même espace ou dans des espaces différents : en tandem, l’un enseigne l’autre aide / les deux aident /l’un aide l’autre observe /enseignement en atelier / enseignement en groupe différencié / enseignement en parallèle.

 

 

 

 

 

 

 

Enseignant et intervenant :

 

Les deux analysent les besoins et les domaines à investir, construisent et conçoivent dans sa totalité tous les aspects pédagogiques, didactiques, disciplinaires et artistiques à mettre en œuvre pour la réussite du projet.

La concertation régulière est incontournable, elle permet la régulation du projet dans son avancement (échanges encouragés et participation de l’intervenant aux conseils des maîtres le cas échéant).

Ils ajustent, parfois sur le champ, la progression des séances et leur contenu, par rapport aux objectifs du projet.

 

L’intervenant :

 

Il apporte et montre sa plus-value artistique, technique et professionnelle dans des champs que l’enseignant aura du mal à investir seul.

Il accompagne le projet en tant que professionnel.

Il apporte son attention aux élèves, individuellement et collectivement.

Il favorise le déroulement et le suivi du projet en proposant des pistes ou des supports de travail entre deux séances.

 

L’enseignant :

 

Responsable de la classe, Il gère à sa convenance, au côté de l’intervenant, l’activité de la classe, favorise la gestion du groupe.

Il est le garant de la pédagogie mise en œuvre et de son adéquation aux textes en vigueur.

Il participe aux séances (à l’égal des élèves, encadrement, gestion partielle d’une tâche,…) et prolonge le projet en dehors de la séance avec l’intervenant ou l’artiste.

En cas d’absence ponctuelle de l’intervenant, l’enseignant poursuit le projet selon ses compétences.

 

La co-préparation :

 

La co-préparation impose un travail à deux (l’enseignant et l’artiste), développe une réflexion à deux sur une préparation collective autour du contenu disciplinaire, de compétences visées, du travail en groupe et de sa composition (homogène / hétérogène), des modalités de différenciation.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

1. Objectifs spécifiques

 

En éducation musicale	En arts plastiques
Être capable de chanter seul et en groupe. Jouer avec sa voix (varier sa hauteur, son intensité, son timbre) Communiquer à travers les activités vocales et instrumentales. Explorer les possibilités sonores offertes par sa voix, son corps, les matières environnantes, un instrument. Passer de la production intuitive du son à un geste intentionnel et maîtrisé. Organiser la matière sonore dans le  temps (produire des sons simultanés ou qui se succèdent, brefs ou longs).	S’approprier par les sens les éléments du langage plastique : matière, support, couleur… Observer les effets produits par ses gestes, par les outils utilisés. Représenter le monde environnant ou donner forme à son imaginaire en explorant la diversité des domaines (dessin, collage, modelage, sculpture, photographie…). Repérer les éléments du langage plastique dans une production : couleurs, formes, matières, support  Respecter l’espace, les outils et les matériaux partagés.
Danse	Théâtre
Faire référence aux composantes de la danse : mobilisation du corps, espace, temps, énergie, relations entre danseurs, imitation. Utiliser le pouvoir expressif du corps de différentes façons. Expérimenter des appuis inhabituels, des façons de descendre au sol, de sauter, de tourner, de marcher. Exprimer un sentiment, une action, une idée par le corps. Jouer sur l’amplitude du mouvement. Savoir danser en respectant un espace. Être à l’écoute de l’espace scène. Modifier l’énergie d’un mouvement : suivre un rythme, respecter des arrêts, des silences. Danser à 2, à plusieurs, être à l’écoute des autres. Accepter les changements de rôles.	Être capable de s’approprier un texte de théâtre, le dire, l’interpréter. Exprimer un sentiment, une action, une idée par le corps et par la voix. Se faire entendre distinctement Entrer en jeu avec d’autres personnes, avec le groupe classe. Être à l’écoute des autres. Être capable d’entrer en création, d’imaginer seul ou à plusieurs des mises en scène courtes d’un morceau de texte.  S’approprier l’espace de la scène, avoir conscience de soi et des autres. Travailler à plusieurs Avoir une culture théâtrale : en tant que spectateur (spectacle) et de lecteur (texte de théâtre). Découvrir différentes formes théâtrales ; recourir à la mise en voix ou la mise en espace pour en comprendre le fonctionnement.
Objectifs communs à plusieurs domaines artistiques
Choisir une interprétation. Prendre conscience des différents rapports entre musique et mouvement dans l’espace. Réagir corporellement à une œuvre en mettant en évidence les sensations qu’elle peut éveiller en soi. Éprouver du plaisir lors de sa propre production, de celle de ses camarades ou à la rencontre d’une œuvre. Tirer parti de trouvailles fortuites, saisir les effets du hasard. Mener à terme une production individuelle ou collective dans le cadre d’un projet accompagné par l’enseignant. Montrer sans réticence ses productions et regarder ou écouter celles des autres. Prendre la parole devant un groupe pour partager ses trouvailles. Formuler ses émotions, entendre et respecter celles des autres. Enrichir son répertoire d’actions afin de communiquer une intention ou une émotion. Apprendre à être spectateur
En histoire des arts
Exprimer un ressenti et un avis devant une œuvre, étayer à l’aide d’une première analyse. Rendre compte en termes personnels d’une expérience artistique vécue, soit par la pratique soit comme spectateur. s’intéresser aux découvertes faites dans des œuvres d’art. nommer quelques œuvres majeures.

 

 

1.  

 

En éducation musicale	En arts plastiques
Attendus de fin de cycle 2 et 3 :    Expérimenter sa voix parlée et chantée, explorer ses paramètres, la mobiliser au bénéfice d’une reproduction expressive.  Connaitre et mettre en œuvre les conditions d’une écoute attentive et précise.  Imaginer des organisations simples ; créer des sons et maitriser leur succession. Exprimer sa sensibilité et exercer son esprit critique tout en respectant les gouts et points de vue de chacun.	Attendus de fin de cycle 2 et 3 :   Réaliser et donner à voir, individuellement ou collectivement, des productions plastiques de natures diverses. Proposer des réponses inventives dans un projet individuel ou collectif. Coopérer dans un projet artistique. S’exprimer sur sa production, celle de ses pairs, sur l’art. Comparer quelques œuvres d’art.
Danse	Théâtre
Attendus de fin de cycle 2 et 3 :   Mobiliser le pouvoir expressif du corps, en reproduisant une séquence simple d’actions apprises ou en présentant une action inventée : Mobiliser son imaginaire pour créer du sens et de l’émotion, dans des prestations collectives. S’adapter au rythme, mémoriser des pas, des figures, des éléments et des enchaînements pour réaliser des actions individuelles et collectives. Réaliser en petits groupes deux séquences : une à visée acrobatique destinée à être jugée, une autre à visée artistique destinée à être appréciée et à émouvoir.  Savoir filmer une prestation pour la revoir et la faire évoluer. Respecter les prestations des autres et accepter de se produire devant les autres.	Attendus de fin de cycle 2 et 3 :   Lire et comprendre des textes adaptés à la maturité et à la culture scolaire des élèves. Recherche d’effets à produire sur l’auditoire en lien avec la compréhension (expressivité). En français, la fréquentation des œuvres littéraires, écoutées ou lues, mais également celle des œuvres théâtrales et cinématographiques, construisent la culture des élèves, contribuent à former leur jugement esthétique et enrichissent leur rapport au monde. Dire de mémoire un texte à haute voix. Lire, comprendre et interpréter un texte littéraire adapté à son âge et réagir à sa lecture. Parler en prenant en compte son auditoire : pour oraliser une œuvre de la littérature orale ou écrite .
En histoire des arts
Exprimer ses émotions lors de la rencontre avec des œuvres d’art, manifester son intérêt pour la rencontre directe avec des œuvres. S’approprier quelques œuvres de domaines et d’époques variés appartenant au patrimoine national et mondial. S’ouvrir à la diversité des pratiques et des cultures artistiques Exprimer un ressenti et un avis devant une œuvre, étayés à l’aide d’une première analyse.

 

1.  

 

• Il s’agit de lister l’ensemble des activités qui constituent les séances.
• Ce travail d’inventaire permet la construction de séances avec des activités diversifiées au sein de séquences, inscrites dans une véritable programmation.
• Penser notamment à adapter et différencier en fonction de l’âge et du niveau des élèves.

 

On pourrait retrouver ainsi :

 

• Quels types de rituels sont mis en place : installation du groupe, accueil en musique (écoute ou chanson), distribution des matériels, entrées et sorties de séance…

 

• Les activités possibles, incontournables ou les reprises à effectuer dans la semaine qui suit la séance avec l’intervenant (la « commande » de celui-ci, une tâche à effectuer par l’enseignant et sa classe qu’il reprendra en prolongement)

 

 

• La présence du projet dans des tâches ou des activités dans le cadre de l’interdisciplinarité.

 

 

En éducation musicale	Danse
Ecouter, écoutes offertes, sensibles et analytiques avec repérage des éléments caractéristiques du son et leurs oppositions Ecouter un répertoire d’œuvres et de sons le plus large possible dans le temps et dans l’espace. Chanter : des pratiques vocales (jeux vocaux) et chorales (Apprentissage et interprétation d’un répertoire de chansons) Jouer : des pratiques instrumentales (Accompagnements instrumentaux simples de chansons), ou corporelles, Explorer les sons par la voix, les objets sonores, les instruments, les interfaces numériques Créer en lien avec la thématique abordée, mais également dans les productions vocales ou instrumentales. Vivre des pratiques corporelles : rondes et jeux dansés, danse, expression corporelle.	Explorer, développer sa créativité, élargir le vocabulaire gestuel. Transformer, développer la création, rechercher l’inédit. Construire de façon intentionnelle, canaliser ses idées. Fixer, préciser, mémoriser. Se mettre en disponibilité corporelle : se concentrer, se rendre disponible pour danser. Mettre en place le thème, rechercher dans le respect du thème : une consigne induit une recherche.  Approfondir et faire évoluer les productions des élèves par des images, des repères, des précisions. Structurer les actions motrices par la construction d’une phrase corporelle. Mémoriser chaque étape vers une chorégraphie finale. intégrer les nouvelles phrases dans le scénario de la chorégraphie.
En arts plastiques	Théâtre
Explorer son environnement visuel pour prendre conscience de la présence du dessin et de la diversité des modes de représentation. Représenter l’environnement proche par le dessin (carnet de croquis) ; photographier en variant les points de vue et les cadrages ; explorer la représentation par le volume, notamment le modelage. Explorer des outils et des supports connus, en découvrir d’autres, y compris numériques. Reconstituer une scène, enregistrer les traces ou le constat d’une observation. Mettre en relation l’observation des productions plastiques avec les images présentes dans l’environnement quotidien des élèves (images issues de la publicité, patrimoine de proximité, albums jeunesse…). Comparer et établir des liens entre des œuvres d’art appartenant à un même domaine d’expression plastique ou portant sur un même sujet, à propos des formes, de l’espace, de la lumière, de la couleur, des matières, des gestes, des supports, des outils. Agir sur les formes (supports, matériaux, constituants…), sur les couleurs (mélanges, dégradés, contrastes…), sur les matières et les objets : peindre avec des matières épaisses, fluides, sans dessin préalable ; coller, superposer des papiers et des images ; modeler, creuser pour explorer le volume….	Ritualiser les mises en route de séances : échauffement du corps, de la voix. Être présent et en être conscient, être soi dans le groupe. Bouger, se repérer dans l’espace, en fonction des autres. Toucher les autres, créer des interactions corporelles mais aussi avec des mots. Malaxer, jouer avec des mots, dire des phrases. Mettre le mouvement en adéquation avec le texte. A partir d’exercices proposés et connus, en groupe élaborer une petite mise en scène d’un court texte. Découvrir des textes de théâtre adaptés au groupe. Découvrir des textes de théâtre d’auteurs contemporains à destination de la jeunesse. Adresser distinctement un texte à une personne, à un groupe, à un public. Jouer avec l’autre et en fonction de l’autre avec le corps et avec la voix. Donner la réplique, jouer un dialogue. Être sur scène avec les autres. Raconter une histoire en utilisant la voix et le corps. Intégrer des exercices vécus pour construire collectivement une mise en scène à partir d’un texte.  Entrer en création artistique collectivement avec l’aide de l’enseignant et d’un artiste.

 

1. Œuvres de référence

 

Il s’agit de lister l’ensemble des œuvres dans les domaines qui jalonneront les séances.

c.f. liste de référence EDUSCOL :

 

https://media.eduscol.education.fr/file/Programmes/59/4/HistoireArts_Liste_œuvres_114594.pdf

 

1. Conditions matérielles

 

Faire l’inventaire de la situation matérielle permet de savoir ce que chacun apporte afin d’anticiper d’éventuels achats pour la mise en œuvre du projet.

 

 

• Quelle(s) salle(s) peuvent être mise à disposition les jours des interventions ?
• Le matériel, qui en a la charge ?
• Faire l’inventaire de l’instrumentarium, de l’outillage artistique de l’école, anticiper les compléments ou les réparations, des consommables sont-ils requis et de quel type ?

 

1. La finalisation ou la restitution :

 

• Ne se traduit pas systématiquement par un temps fort final.
• La valorisation du projet peut prendre différentes formes : conférences, ateliers, journées portes ouvertes, expositions, spectacles, articles, films, blog… et peut faire l’objet d’évaluations spécifiques (B2i, EMC,…)

 

1.  

 

• Etape incontournable du projet, elle est parfois difficile à prévoir pour des matières artistiques.
• Cependant elle permet de réguler et de dresser le bilan du projet : elle peut être diagnostique, formative et sommative.

 

L’évaluation d’un projet

 

• L’objectif a-t-il été atteint ?
• Les connaissances et compétences visées sont-elles atteintes de façon globale ?
• Les stratégies, les moyens utilisés ont-ils été pertinents ?
• Les acteurs engagés se sont-ils tous impliqués dans le projet ?
• Le projet ouvre-t-il sur d’autres apprentissages ?

 

L’évaluation des élèves

 

Le travail est évalué :

 

• en fonction des objectifs d’apprentissage, en cours et en fin de projet.
• en référence au socle commun : les compétences visées sont évaluées individuellement et en groupe (savoirs, savoir-faire, savoir-être).
• des phases d’autoévaluation et d’implication dans le projet sont prévues.
• dans le cadre de l’enseignement de l’histoire des arts : retenir quelques noms d’œuvres et d’artistes, et savoir les reconnaitre, à moduler en fonction de l’âge des élèves.

 

 

Deux temps forts pour l’évaluation du projet de co-intervention : au cours de la mise en œuvre du projet et au terme du projet.

 

• Par l’observation des effets positifs repérés (ce qui est efficace).
• Situation d’apprentissage dans lequel le travail à deux apporte une plus-value.
• Critères observables des progrès.
• Types de traces des réussites (orale, écrite, évaluation).

 

• Par des observations des facteurs de l’efficacité (ce qui conduit à des effets positifs).
• Organisation retenue (selon les 7 modalités en référence), évaluation de son efficacité.
• Autres critères favorisant l’efficacité du travail enseignant-artiste.
• Prise en compte des éléments nécessitant une attention particulière : points de vigilance.